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20世纪表现主义音乐的特点及对当代音乐审美发展的思考

作者: 发布时间:2020-01-22 09:01:18 阅读: 60 次

摘要:20世纪的欧洲,由于战争、社会激变、文化冲击等种种因素,导致了当时的艺术家打破现有的常规,追求“新的艺术”。 从音乐创作方面来看,作曲家们期望颠覆已存在于欧洲数百年的音乐体系——大小调体系,创造全新的音乐体系。表现主义音乐便是产生于此大环境之下。本文从表现主义的风格特点入手,结合音乐美学方面的相关知识,阐述了表现主义音乐的美学特征及其对时代的影响,并简单总结了“新音乐”类型的产生对当代音乐审美发展的意义。

关键词:表现主义;风格与特点;音乐美学;音乐审美发展

    正如约瑟夫·席林格所说:“没有一个艺术家是真正自由的,他要受到他周围直接环境的影响……他的话语,只能是受他的直接地理、历史因素限制的语言。还没有一个出生在巴黎的艺术家,能够本能的使用中国公元4世纪的艺术语言来表达自己……要获得真正的自由、并从对本地的依赖中解放出来,其关键是在于运用科学的方法。”[[]约瑟夫·席林格.《艺术的数学基础》[M].New York Publishing1948(6)311] 社会环境对作曲家创作的影响显而易见,一位音乐家作品风格的形成,不仅仅是作曲家主观思维的产物,同时还受到历史时代和社会环境背景的制约。在历史发展的过程中,不同的音乐语汇接踵而至,作曲家必须在其中进行选择。

    浪漫主义的音乐语言和风格,在19世纪基本占据了统治地位。它的音乐语言和风格得到了淋漓尽致的发展。在后期,音乐要素和音乐结构得到了的发展——音响更加丰富,和声更加复杂,不协和因素的增加等等。具体到作曲家,如德彪西印象主义作品中的模糊调性,斯克里亚宾的神秘和弦以及瓦格纳的半音化和声等等。这些发展必然促使人们追求更加所谓打破常规的“新的音乐”。到了二十世纪,经历了两次世界大战的欧洲,经济危机和法西斯独裁统治等因素,导致社会动荡,矛盾加剧,引起社会心理发生变化,产生了更多紧张与不安的情绪;科技的迅猛发展,影响到了人类生活的各个方面。这样一个混乱而困顿的时代,它激进又保守,渴望新奇且不满于现状。此时,个人主义得到充分发展,作曲家追求新异更加急切,创作不顾公众反应和社会效果的倾向变得普遍起来。比如表现主义,就更多的与社会的发展、思潮的影响紧密的联系在一起,它是知识分子对社会混乱、政治黑暗感到不满的产物。十二音写作是今天创作实践中的常用手法之一。序列技术自勋伯格首创以来已经发生了变化,自二战之后,受到美术流派中的“野兽主义”、“立体主义”等的影响,作曲家开始强调在白纸上书写“新的音乐”,要根除一切传统音乐的痕迹,20世纪50年代产生的整体序列主义就是这样宗旨的产物。由于参加这一实践的作曲家越来越多,直至今日,这一写作技法仍处于继续发展之中。在这样的大环境下,序列音乐创作大致有以下几个方面的特点:

    1)抛弃了主属音的传统观念,八度中十二个音的地位完全相等,使传统的旋律概念、节奏、节拍的组织,曲式的结构,和声与对位的感觉皆面目全非。由于不协和音的完全解放,使得调性功能的概念几乎已经失去了意义;

    2)避免八度的倾向,不仅避免各个和弦中和弦音的重复而且连对鞋的八度关系也要避免。大七度和小九度等接近纯八度的尖锐不协和音程得到了最广泛意义上的普及;

    3)全音阶、四度叠置和弦的产生,使得以大小三度为代表的三度叠置几乎被废弃,同时增、减和弦得到了大量运用;对于这一时期的作曲家来说,单个和弦的独特性,比其对某一调性的依附性更加重要。“三和弦结构未必一定产生调性中心,非三和弦和声构造也可以使它起到调性的作用,而十二音聚集的设想并不一定会妨碍到中心和弦的存在。”[[]乔治·佩尔著.罗忠镕译.《序列音乐写作与无调性》[M].北京:中央音乐学院出版社,2006(12)6]

    4)在音乐表现力方面,不追求庞大、夸张,刻意追求精致、纯朴,在抛弃了印象派的玄妙模糊之后,力求于音乐表现的简洁、单纯、明快和热烈。

5)融入形式十分自由的若干独特音的连续,带来了跳跃流动的奇妙特色。小巧、精致的乐队编配,音色的地位得到提高,到了韦伯恩时期,最终形成了一种新的音乐流派——点描派。

以上对二十世纪音乐的技法特点概括并不全面,但是仅仅从这五个特点中就可以看出,那是一个用技法打破传统的时代;那是一个音乐观念如繁花般层出不穷的时代;那是一个思想肆意放飞,努力摆脱各种限制的时代……以勋伯格为代表的表现主义,正是以其极大的主观性关注于人类思想与精神的直接体验,用极强的自我意识抗衡印象主义客观性的同时,追求音乐在形式上的更大自由。

    表现主义运动是在反传统的思潮中兴起的,在创作方法上它背弃了理性主义的原则。具体来说,它摒弃了十九世纪前在欧洲长期占统治地位的“模仿论”或“反映论”美学,而崇尚“表现论”美学。也就是说,创作不再是描摹客观世界的过程,而是主观情感、意象幻想的表达出于作曲家“内在的需要”。尽管表现主义者的创作主张和表现方法各有不同,但从主观、自我出发这一大前提则是共同的。表现主义音乐,也是“新维也纳乐派”针对法国的印象主义乐派所强调的、对自然中的朦胧景色、虚无缥缈事物的描写的尖锐反驳。[表现主义:http://baike.baidu.com/view/67922.htm?fr=ala0_1_1[OL]]这些杰出的音乐家们,明确的指出音乐就要表现人类的思想本质和心灵世界。正像勋伯格所说:“艺术家为之奋斗的最伟大的目标只有一个,那就是表现他自己”,“我们的心灵才是客观世界的真实反映。”[阿诺德·勋伯格.《歌词的比例》[M].New York Publishing1912]当他们用自己的眼睛看到、用自己的耳朵听到、用自己的心灵感受到德奥现实生活充斥着痛苦和罪恶的时候,他们便用音乐去表现那些现实中的感情、生活、情绪,正面的和负面的,所有的哪怕丑陋的真实。再这样的情况下,表现主义音乐形成了一种奇异新颖的审美形态和艺术特征,大致可以概括为以下四点:

    1)自我意识的觉醒。对于表现主义作曲家作家来说,创作就意味着把他的感情或激情而产生的幻象转化为作品,这便是作曲家“内在需要的外在表现”,或者说是作曲家内心体验的外部投影。

    2)非理性主义的渗透。非理性主义的思维是十九世纪下半叶开始兴起于西方的一股哲学思潮。它对人类有史以来,特别是资本主义制度建立以来的理性主义原则(包括伦理、道德、法律、宗教等)进行怀疑和否定。与传统的乐思设想相悖,表现主义作曲家强调的即是非理性的、瞬间的感受或想象的体验。

    3)强烈的情感。多数表现主义者都把创作当作表达他们个人的反抗情绪的手段,或者说当作倾泻内心情感的突破口。作曲家勋伯格也认为:“一件艺术作品,只有当他把作者内心中的激荡的感情传达给听众的时候,它才能产生更大的效果,才能由此引起听众内心感情的激荡。”[阿诺德·勋伯格.《歌词的比例》[M].New York Publishing19122]

    4)多种创作手法的融合。表现主义就像它队伍的混杂、思想的混乱一样,在音乐作品的艺术构成上也不是单手段、单风格的,它追求一种综合的审美效应,有人称之为“多声部交响”。同一部作品,往往同时采用调性和声、无调性、十二音、无节奏等手法完成。比如本文中的主人公,表现主义音乐的另一位大师贝尔格,就是调性与十二音等多种创作技法融合的典型代表。

    表现主义音乐所代表的现代音乐来源于传统又反叛于传统,它的美学特征是不稳定的,它打破旧有的传统观念的限制以追求形式上的更大自由。然而,无调性音乐本身是相对[

]于调性音乐而来,如果说调性音乐代表的是“传统”,必须被时代的发展所打破的话,在现代音乐出现的这几十年来,我们也看到了大量的、极富表现力的新音乐技法的出现,它们有着丰富的潜在能力,在未来的几十年中,会不会也可能形成一个比较稳定的新的音乐“规则”,需要继续被打破呢?究竟什么东西是“进步”的呢?引用布林德尔的一句话:“我们距离离这个时代太近,无法做出客观的评价……或许音乐会以比过去更令人眩晕的速度继续变化下去,我们只能希望并相信,无论今后的音乐是什么样子,它将永远做为人类最崇高的创造物继续发展下去。”

 

参考文献

[1] []乔治·佩尔著.罗忠镕译.《序列音乐写作与无调性》[M].北京:中央音乐学院出版社,2006

[2] http://baike.baidu.com/view/67922.htm?fr=ala0_1_1[OL]

[3] 阿诺德·勋伯格.《歌词的比例》[M].New York Publishing1912

[4] 约瑟夫·席林格.《艺术的数学基础》[M].New York Publishing1948(6)